Come è iniziato il tuo percorso artistico? C’è un momento, un incontro o un’esperienza che ha segnato l’inizio della tua ricerca?

Il mio percorso artistico è nato da una profonda necessità di espressione, piuttosto che da una scelta deliberata. Ho scoperto che la materia era il linguaggio più adatto per esprimere ciò che le parole non potevano. Partendo dal design e progredendo verso la scultura e la pittura materica, ho cercato non la rappresentazione della realtà, ma la sua “struttura interiore”: le tensioni, le fratture e le “gabbie” che ognuno porta dentro di sé. La scoperta del metallo, con le sue intrinseche resistenze e le sue “ferite”, ha rappresentato la svolta cruciale per la mia ricerca.

Quali temi o domande guidano il tuo lavoro oggi? Cosa ti spinge a sviluppare nuove opere?

Il mio lavoro è costantemente guidato da interrogativi sull’interiorità umana: cosa ci imprigiona, cosa ci accompagna in silenzio e cosa, invece, cerca di rompersi per far entrare nuova aria? Sono affascinato dalle strutture mentali che costruiamo per protezione, ma che spesso si trasformano in barriere. Indago le zone di attrito, i limiti e i tentativi di superarli. Ogni nuova opera nasce da una tensione interna: una frattura percepita dentro di me o una crepa in un equilibrio che credevo stabile mi spinge a trasformare queste sensazioni in forma artistica.

Che ruolo giocano i materiali e le tecniche nella tua pratica? Come scegli gli strumenti espressivi con cui lavorare?

Per me, la materia non è mai un mero supporto, ma una parte attiva e integrante della mia narrazione. Lavoro intensamente con metallo saldato, superfici ossidate e pigmenti densi e stratificati. Questi materiali possiedono una propria memoria, resistenza e peso, e sono attratto dalla loro capacità di “rovinarsi” pur resistendo o talvolta opponendosi ai miei gesti. La scelta della tecnica è sempre dettata dal tema che intendo esplorare: se la rigidità mentale è il focus, userò strutture fredde e taglienti; se invece l’opera parla di una crepa o di un cedimento, la materia dovrà esprimere fragilità, instabilità e trasformazione.

Puoi parlarci di un’opera o un progetto a cui sei particolarmente legato? Cosa rappresenta per te e quali sfide ha comportato?

Sono particolarmente legato al mio nuovo progetto, “Oltre il silenzio”, di cui alcune opere sono esposte all’Exibart Prize EP6. Questa serie indaga lo spazio interiore nascosto, dove coesistono la tensione dell’esistenza e il desiderio di liberazione. Nelle opere, strutture metalliche che evocano gabbie o architetture mentali vivono accanto a superfici che si ossidano, si incrinano e si aprono. La sfida maggiore è stata trovare un equilibrio tra rigidità e vulnerabilità: lavorare il metallo per renderlo imponente ma non conclusivo, permettendo alla superficie pittorica di rispondere, ribellarsi e al contempo accogliere l’acciaio. Questo lavoro continua a interrogarmi e a stimolare nuove riflessioni.

Come affronti la fase di ricerca e sviluppo di un progetto? Segui un metodo o un processo specifico?

Il mio processo creativo inizia sempre dall’osservazione di una tensione: una sensazione, un pensiero ricorrente o una frattura percepita nella mia esperienza o in quella altrui. Da qui, costruisco una “alfabetizzazione visiva” attraverso forme, materiali e gesti che possano tradurre tale tensione. Spesso abbozzo rapidamente la forma iniziale che meglio incarna l’emozione, per poi creare piccoli studi, frammenti e prove di materia che fungono da “lettere” per il linguaggio dell’opera finale. La fase di sviluppo è fisica e intuitiva, permettendo al materiale di reagire e suggerire nuove direzioni. Ricerco un dialogo con il metallo e la vernice, percependo la loro forza e assecondandola. Il metodo non è tecnico in senso stretto, ma guidato dall’emozione che il materiale trasmette. Ascolto il carattere, la voce, le resistenze e le fragilità di ogni superficie, metallo o pigmento, lasciando che questo dialogo emotivo orienti lo sviluppo del progetto.

Quali sono le principali sfide che incontri come artista oggi? E come cerchi di superarle?

Una delle principali sfide è mantenere una voce autentica in un panorama artistico dove l’estetica rischia spesso di prevalere sul senso, trasformando l’atto creativo in uno stile riconoscibile anziché in una vera urgenza. Per superarla, cerco di tornare sempre alle origini del mio lavoro: le domande, le fratture interiori e le necessità che lo hanno generato, poiché è lì che risiede il vero significato. Un’altra sfida è la complessità emotiva: esplorando zone intime, si incontrano inevitabilmente fragilità e resistenze. L’arte diventa un mezzo per attraversarle e dar loro spazio senza esserne sopraffatti, e questa dimensione interiore è vitale da proteggere. Infine, mi impegno a evitare che il mio linguaggio venga ridotto a una formula estetica in un sistema che tende all’uniformità. Sebbene la materia conferisca una forte identità visiva, il mio obiettivo è che il significato guidi la forma. Per questo, rinnovo costantemente il mio rapporto con i materiali, affinché parlino e rivelino ciò che si agita all’interno, anziché limitarsi a decorare.

Un esempio del suo lavoro, intitolato “Skin of Silence”, illustra la profondità della sua ricerca artistica.

Interview with Edoardo Gagliotti: Art as Inner Necessity

How did your artistic journey begin? Was there a specific moment, encounter, or experience that marked the start of your exploration?

My artistic journey began from a profound need for expression rather than a deliberate decision. I discovered that matter was the most suitable language to convey what words could not. Starting in design and moving towards sculpture and material painting, I sought not the representation of reality, but its “inner structure”: the tensions, fractures, and “cages” that everyone carries within themselves. The discovery of metal, with its inherent resistances and “wounds,” proved to be the pivotal moment for my artistic exploration.

What themes or questions guide your work today? What drives you to develop new pieces?

My work is consistently driven by questions about human interiority: what imprisons us, what silently accompanies us, and what tries to break free to let in new air? I am fascinated by the mental structures we build for protection, which often become barriers. I explore areas of friction, limits, and attempts to overcome them. Each new piece originates from an internal tension: a perceived fracture within myself or a crack in an equilibrium I once considered stable compels me to transform these sensations into artistic form.

What role do materials and techniques play in your practice? How do you choose the expressive tools you work with?

For me, material is never merely a support but an active and integral part of my narrative. I work intensely with welded metal, oxidized surfaces, and dense, layered pigments. These materials possess their own memory, resistance, and weight, and I am drawn to their capacity to “deteriorate” while simultaneously resisting or sometimes opposing my gestures. The choice of technique is always dictated by the theme I intend to explore: if mental rigidity is the focus, I will use cold, sharp structures; if the work speaks of a crack or collapse, the material must express fragility, instability, and transformation.

Can you tell us about a specific work or project you are particularly attached to? What does it represent for you, and what challenges did it involve?

I am particularly attached to my new project, “Oltre il silenzio” (Beyond Silence), with some works from this series exhibited at the Exibart Prize EP6. This series explores the hidden inner space where the tension of existence and the desire for liberation coexist. In these pieces, metallic structures evoking cages or mental architectures live alongside surfaces that oxidize, crack, and open up. The greatest challenge was finding a balance between rigidity and vulnerability: working the metal to make it imposing yet not definitive, allowing the pictorial surface to respond, rebel, and simultaneously embrace the steel. This body of work continues to speak to me and stimulate new reflections.

How do you approach the research and development phase of a project? Do you follow a specific method or process?

My creative process always begins with observing a tension: a sensation, a recurring thought, or a fracture perceived in my own experience or that of others. From this, I build a “visual literacy” through forms, materials, and gestures that can translate this tension. I often quickly sketch the initial form that best embodies the emotion, then create small studies, fragments, and material tests that act as “letters” for the language of the final work. The development phase is physical and intuitive, allowing the material to react and suggest new directions. I seek a dialogue with the metal and paint, sensing their force and yielding to it. The method is not strictly technical but guided by the emotion the material conveys. I listen to the character, voice, resistances, and fragilities of each surface, metal, or pigment, allowing this emotional dialogue to guide the project’s development.

What are the main challenges you encounter as an artist today? And how do you try to overcome them?

One of my main challenges is maintaining an authentic voice in an art landscape where aesthetics often risk overshadowing meaning, transforming the creative act into a recognizable style rather than a genuine urgency. To overcome this, I always strive to return to the origins of my work: the questions, internal fractures, and necessities that brought it into being, as that is where true meaning resides. Another challenge is emotional complexity: exploring intimate zones inevitably brings encounters with fragility and resistance. Art becomes a means to navigate these, giving them space without being overwhelmed, and this inner dimension is vital to protect. Finally, I endeavor to prevent my language from being reduced to an aesthetic formula within a system that tends towards uniformity. Although material art confers a strong visual identity, my goal is for meaning to guide form. For this reason, I constantly renew my relationship with materials, allowing them to speak and reveal what stirs within, rather than merely decorating.

An example of his work, titled “Skin of Silence,” illustrates the depth of his artistic exploration.