Rephrased Italian Text
L’esposizione de La Crocifissione di Hans Memling al Museo Diocesano di Milano (fino al 17 maggio 2026, a cura di Valeria Cafà, Giuseppe Frangi, Nadia Righi) durante la Quaresima è naturalmente accolta per il suo significato spirituale e storico-artistico. Ciò che sorprende, tuttavia, è il modo in cui quest’opera è presentata, fungendo da catalizzatore per un dialogo con il mondo contemporaneo, piuttosto che come una semplice rievocazione del passato.
Questa formula espositiva, che mette in dialogo opere antiche e contemporanee, si rinnova ogni anno. L’anno scorso la Deposizione di Tintoretto fu affiancata da opere di Luca Bertolo, Jacopo Benassi, Maria Elisabetta Novello e Alberto Gianfreda. Quest’anno, La Crocifissione di Memling è presentata in relazione ai lavori di Matteo Fato, Stefano Arienti, Danilo Sciorilli e Julia Krahn. L’opera di Memling, una pala centrale di un trittico smembrato (1467-1470), raffigura Cristo crocifisso al centro, con San Giovanni Evangelista e la Vergine addolorata a sinistra, e la Maddalena inginocchiata. A destra, San Giovanni Battista con un agnello e San Bernardo di Chiaravalle, santi protettori del committente Jan Crabbe, inginocchiato in primo piano. Memling, di origine tedesca, si trasferì nelle Fiandre intorno al 1465, dove sviluppò una nuova estetica, influenzato in particolare da Rogier van der Weyden per i suoi colori smaltati, la precisione nei ritratti e il panneggio definito.
L’opera di Memling, con la sua meticolosa attenzione ai dettagli, inclusa la prospettiva a volo d’uccello del paesaggio, si inserisce in un contesto contemporaneo. Il dialogo con i quattro artisti attuali non è una semplice riproposizione devozionale o tematica, ma si basa, come spiega Giuseppe Frangi, su due concetti: “deferenza” – un rispetto ammirato ma distaccato – e “discontinuità” – una “perpetua tensione” che, secondo Salvatore Settis, vivifica la tradizione stessa, intesa come un passaggio di testimone. La precisione di Memling ispira Matteo Fato (Pescara, 1979) nella sua esplorazione pittorica. Fato espone Sacrificio smontato (2026), un’opera composita su più tele, con sezioni sostenute a tratti da un cavalletto.
Stefano Arienti (Asola, 1961) interpreta la figura eterea del Cristo di Memling in modo essenziale, rappresentandolo senza croce su un telo antipolvere. La sua opera, Crocifisso a punti d’oro (da Hans Memling) (2026), mostra una sagoma composta da tasselli di pittura dorata, con un teschio ai piedi, che evoca il Golgota. Questo teschio è realizzato con pittura a pongo su un’opera di Van Gogh del 1887 (Teschio (da Vincent Van Gogh), 2025). L’evento cristologico, così, trascende la sua cornice specifica, inserendosi, come nel lavoro di Memling, in una contemporaneità che permette la coesistenza di tempi diversi, emergendo in un confronto “deferente” e “discontinuo”.
L’opera di Julia Krahn (Jülich, 1978) assume un carattere performativo o esperienziale, focalizzandosi su tre punti chiave del corpo sofferente di Maria. Volto e mani in argilla bianca su lino blu sono ciò che resta di una fisicità che si manifesta per assenza, culminando in un unico telo di lino bianco arrotolato (Non si può dividere ciò che è uno (per Memling), 2025/2026). Questa non è una semplice riproduzione, né una tradizione che si auto-ripropone, ma una novità che offre una religiosità presentata in una dinamica laica e culturale, piuttosto che dogmatica.
Questo concetto si ritrova anche nella video-installazione di Danilo Sciorilli (Chieti, 1992), dove il sacro può essere percepito nella quotidianità, come nei semplici panni stesi da una donna su un balcone ad Atessa, città natale dell’artista (Il Cristo di stracci (Silentium Lucis), 2026).
English Translation
The exhibition of Hans Memling’s The Crucifixion at the Diocesan Museum of Milan (until May 17, 2026, curated by Valeria Cafà, Giuseppe Frangi, Nadia Righi) during Lent is naturally welcomed for its spiritual and historical-artistic significance. What is surprising, however, is the dynamic in which this masterpiece is presented, acting as a generative force that looks towards the unknown of the contemporary world rather than merely reflecting on its past or present.
This exhibition format, which fosters a dialogue between ancient and contemporary works, is re-enacted annually. Last year, Tintoretto’s Deposition was displayed alongside pieces by Luca Bertolo, Jacopo Benassi, Maria Elisabetta Novello, and Alberto Gianfreda. This year, Memling’s The Crucifixion is presented in relation to the works of Matteo Fato, Stefano Arienti, Danilo Sciorilli, and Julia Krahn. Memling’s panel, painted between 1467 and 1470 as the central altarpiece of a dismembered triptych, depicts the crucified Christ at the center, accompanied on the left by Saint John the Evangelist supporting the grieving Virgin, and the kneeling Magdalene. On the right stand Saint John the Baptist holding a lamb and Saint Bernard of Clairvaux, patron saints of the commissioner Jan Crabbe, who is also kneeling in the foreground as the Cistercian abbot of the Abbey of the Dunes near Bruges. Memling, a German native from Seligenstadt, moved to Flanders around 1465, a region where new aesthetic expertise flourished while maintaining continuity with much older traditions. Rogier van der Weyden, with his predilection for enameled colors, analytical precision in describing faces, and sharply defined drapery, became an essential point of reference for the young Memling.
Memling’s work, with its meticulous attention to detail, including the bird’s-eye view of the landscape, is brought into a contemporary context. The juxtaposition and relationship with the four contemporary artists is not framed as a devotional or thematic reinterpretation, but rather, as Giuseppe Frangi explains in his critical text, through two concepts. On one hand, there is a peculiar “deference,” meaning spontaneous respect for something admired, from which one maintains a respectful distance. On the other hand, this almost unnatural connection should be viewed with a certain “discontinuity,” which, as Salvatore Settis wrote, is “perpetual tension” that enlivens the very concept of tradition, etymologically meaning a “passing from hand to hand.” Memling’s meticulousness thus provides the starting point for Matteo Fato’s (Pescara, 1979) work and his constant engagement with the unknown of the pictorial experience. His presented work, Sacrificio smontato (2026), is composed of multiple parts, multiple canvases, and aesthetic moments, sometimes supported by a wooden easel.
Stefano Arienti (Asola, 1961) interprets Memling’s ethereal figure of Christ in a stark, cross-less manner on a dust sheet. His work, Crocifisso a punti d’oro (da Hans Memling) (2026), features a silhouette and body formed by gold paint tesserae, with an additional painting at its feet depicting a skull, recalling the etymology of Golgotha. This skull is rendered with plasticine paint over an 1887 work by Van Gogh (Teschio (da Vincent Van Gogh), 2025). The Christic event thus moves beyond its specific frame. It enters, as in Memling’s panel, into the details of a thoroughly contemporary method (in the sense of a coexistence of different times), appearing almost involuntarily today through a moment of confrontation, with “deference” and in a “discontinuous” manner.
Julia Krahn’s (Jülich, 1978) work takes on performative or experiential characteristics, focusing on three focal points of Mary’s body, bowed by grief. The face and hands in white clay on blue linen are the remnants of a physique that manifests itself in-absentia, eventually becoming a single crumpled white linen cloth (Non si può dividere ciò che è uno (per Memling), 2025/2026). This reinterpretation is never a mere repetition, nor is it a tradition conforming to ideologically self-referential stylistic elements. The novelty perhaps lies entirely here, in the now evident proposal of a religiosity no longer presented in dogmatic terms, but within a secular, mostly cultural dynamic.
This concept is also echoed in Danilo Sciorilli’s (Chieti, 1992) video installation, where the sacred can be perceived in everyday life, as in the simple clothes hung by an ordinary woman on a balcony in Atessa, the artist’s hometown (Il Cristo di stracci (Silentium Lucis), 2026).
